Ahora es tiempo de agregar otra escala muy utilizada en guitarra, sobre todo eléctrica y particularmente en géneros como Blues y Rock: La escala pentatónica MENOR. Como siempre, pueden acceder a todos las escalas vistas hasta ahora en la Página del Blog
Como podemos observar en la imagen previa, utilizando las mismas notas de una escala mayor (en este caso la escala mayor de DO) se construye una escala menor (en este caso: LA) a la que llamamos Relativa precisamente porque comparten todos sus sonidos ¿Cuál es la diferencia, preguntarán algunos?
La diferencia se encuentra en el uso melódico que le damos a estas notas. En el modo mayor (como vimos en algunos ejemplos de melodías tradicionales) la línea melódica gira en torno al primer sonido de la escala, el DO, al que también llamamos TÓNICA (ver clase de Lenguaje Musical Nº 3). Este sonido genera cierta sensación de calma y/o resolución, siendo en general, la última nota de estas melodías.
Con esta misma lógica, la escala pentatónica MAYOR de DO comparte todos sus sonidos con la escala pentatónica MENOR de LA, y así como ya vimos la digitación de proyección diagonal que podemos asignarle a la escala pentatónica mayor, esta nueva escala contempla una digitación más vertical, manteniendo los dedos sobre los mismos cuatro o cinco trastes. Dividimos el mástil en cinco (5) partes (mapas) de manera que, en cada mapa, las notas más agudas se comparten con el mapa siguiente en donde serán las más graves. A su vez, cada mapa tiene en común, como mínimo, una tónica en una misma cuerda.
De esta forma se cubre todo el mástil con los mapas del 1 al 5, y luego de este último volvemos a comenzar con el 1. Se puede aplicar sobre cualquier nota sabiendo encontrar la tónica deseada. Es una escala muy "conocida" y suele alcanzar sus posibilidades sonoras aplicando los mismos recursos de expresión vistos (vibrato, slide, bending, etc).
El contexto teórico de su estructura, junto con la relación con otras escalas, será ampliado a su momento en el módulo de Lenguaje musical. Por ahora, es mi intención que lo vayan practicando y que la mano vaya acostumbrándose a la digitación
Consejo: Aprendan bien el mapa 1 y pónganlo a prueba ni bien tengan oportunidad.
Nada mejor que una buena melodía para poner en práctica lo aprendido hasta el momento con la escala pentatónica mayor. Joe Satriani, uno de los guitarristas más virtuosos de la época, nos trae un hermoso tema cuya línea melódica también cumple una función didáctica especial: toda la melodía (a excepción de los últimos cuatro compases) está construida sobre esta escala y se fortalece utilizando cada uno de los recursos de expresión compartidos la semana pasada a los que pueden acceder desde aquí. Con pocas notas muy bien elegidas, utilizando el vibrato, el slide, el ligado y el bending; este particular músico sella una melodía hermosa que nos sirve de ejemplo para comenzar a utilizar lo aprendido hasta el momento.
Les recomiendo no perderse al autor mismo tocando su propio tema en vivo en el que, obviamente, usa algunas herramientas más que la escala pentatónica mayor y se luce en velocidad, precisión y buen gusto.
Pueden acceder a un Archivo RAR que contiene la tablatura, el tema original grabado por su autor y la pista sin el canal de la guitarra para poder tocar encima. Espero lo disfruten y aprovechen, y hasta se animen a grabarse tocando sobre la pista y compartirlo.
Hola a tod@s, hoy vamos a avanzar un poco más con la lectura rítmica. Ya tenemos algo de entrenamiento con sonidos que duran un tiempo (todos los ejercicios rítmicos anteriores) y es hora de agregar poco a poco y con mucha práctica, las demás duraciones.
Para repasar lo visto hasta aquí y poder agregar unos pocos conceptos hoy, comparto el siguiente video ilustrativo que presenta una incógnita...
Un sonido que dura tres (3) tiempos...
Sabemos que la redonda dura cuatro, la blanca dos y la negra uno pero no tenemos definida ninguna figura rítmica que simbolice la duración de un sonido (o un silencio) de tres tiempos. Bien, para ello se crea el PUNTILLO.
El Puntillo aumenta la duración de cualquier figura o silencio en la mitad de su duración original. En este caso, la Blanca tiene una duración de dos (2) tiempos, más un tiempo del puntillo (su mitad): tres (3) tiempos.
Este signo se le puede agregar a cualquier figura rítmica. Una redonda (4 tiempos) con puntillo durará seis, una negra (1 tiempo) durará uno y medio, etc. De todas formas, la asimilación de esta cualidad rítmica la iremos realizando de forma gradual y por el momento vamos a utilizar únicamente la Blanca con puntillo.
Otro detalle que habrán podido observar en el video, es que las corcheas están agrupadas...
La escritura intenta siempre ser lo más clara y fácil de seguir. Piensen en la receta de un médico (no todos, pero su gran mayoría). Nunca se entiende ni una palabra y hasta el farmacéutico se toma su tiempo para descifrar lo que allí ha sido escrito. Imaginen ahora qué pasaría si un músico debiera tomarse este tiempo para descifrar uno o dos compases mal escritos...
Las pautas de escritura las iremos viendo poco a poco. En este caso, es muy común agrupar corcheas de a dos para que visualmente uno distinga el pulso de inmediato y pueda ir leyendo "frases" en lugar de notas sueltas. La agrupación de tres corcheas las veremos cuando profundicemos el compás compuesto; y la agrupación de cuatro corcheas es más común en el compás de 4/4 ya que, cuatro corcheas juntas equivalen a la mitad del compás y esto también facilita la agilidad en la lectura.
Muy bien, ahora a practicar.
Tener en cuenta las mismas pautas y propuestas de los ejercicios anteriores:
Comience primero marcando los pulsos del compás con la mano antes de empezar a leer para ubicarse rítmicamente.
Lea las siguientes frases rítmicas diciendo una sílaba "pa" o "ta" en cada negra.
Distinga los sonidos acentuados haciendo más suave los no acentuados
No detenga nunca el pulso.
La negra dura todo un tiempo, o sea, exactamente hasta la llegada del tiempo siguiente.
Luego de leer una vez cada ejercicio, repítalo de memoria; si puede hacerlo significa que ha encontrado la "musicalidad" de la frase; si no puede hacerlo, lea de nuevo el ejercicio tratando de entenderlo como una frase y no como una serie de sonidos sin sentido.
Ponerle letra
No intente pensar la letra sin tararear la frase rítmica leída porque difícilmente llegue a un resultado correcto. El objetivo de estos ejercicios es comprender y asimilar la frase rítmica como frase musical.
Sin perder el contexto medieval que ya hemos mencionado, y su tan característica forma de enfocarse en una sola nota a la vez: la Monodia; quiero resaltar este dato (no menor) en la historia de los géneros.
Mil años registrados de canto monódico. Una única linea melódica en el vasto universo del silencio o de un escueto acompañamiento instrumental, como hemos escuchado en los ejemplos anteriores. En mi opinión, el paso a la Polifonía, donde más de una nota comienza a jugar acompañando y/o en contrapunto con la melodía principal, sería semejante a comenzar a ver en colores luego de un milenio de este mundo en blanco y negro. Claro que dependemos de los pocos y caóticos registros confiables de esta época. Quizás haya miles de obras distintas perdidas en el olvido por no haber sido escritas. Lo que se sabe es que Francia cobra cierta importancia en este papel histórico Del siglo IX al XIII, la génesis del corpus musical polifónico es balbuceante y aleatoria. No sucede en una época de bonanza ni paz. Como bien hemos escuchado alguna vez, las guerras cruzadas que buscaban tomar el poder de la ciudad de Jerusalén (templo espiritual de varias religiones), involucraba a reyes, papas, nobles y plebeyos por igual. Los "puros" deseos de los nobles empujaban a familias enteras al hambre, la pobreza, la ignorancia; y de todas ellas podía sacarse provecho.
La iglesia, como único nexo con el creador en occidente, planta su bandera en el poder hasta el punto de existir competencia de "status" social entre un papa y un Rey. El poder obnubila y consigue "seguidores" entre aquellas familias que logran escapar de la pobreza. Familias que asisten a las misas, misas que comienzan a ganar pompa e importancia debido a estas conexiones sociales que se entrelazan desde, hacia y entre los senderos eclesiásticos. Así, insuflando de ribetes la vida eclesial, y casi por competir con otras construcciones de la época, el obispo Maurice de Sully, con la entera aprobación y apoyo del Rey Luis VII, comienza la construcción de la catedral de Notre Dame. Si bien la construcción se inició a fines del año 1160 y se prolongó hasta el 1245, la actividad cultural durante este período supo rescatar los brotes de la polifonía existente desde hacía cien o doscientos años, y la potenció a manos de muchos anónimos y otros maestros cuyos nombres pudieron ser rescatados del olvido.
París brillaba como centro del arte y la cultura de la cristiandad. Las investigaciones musicales se dispersan entre los monasterios y las ciudades, evidenciando un desarrollo sin precedentes. Las frecuentes visitas de la familia Real a la universidad, otorgan este aire singular a una ciudad que sin saberlo se convertirá en el centro inicial de una práctica que llevará siglos de estudio y elaboración. La iglesia se concentra en hacer cada vez más majestuosas sus liturgias y procesiones, y las familias nobles a su vez, integraban la música a su cotidianidad. En este particular contexto va naciendo poco a poco la Escuela de Notre Dame y su legado llegará hasta nuestros días.
En el siglo XIII, el período del Ars antiqua (literalmente, arte antiguo, llamado así por oposición al Ars nova que surgió en el siglo siguiente) está marcado por el nacimiento y desarrollo de géneros musicales nuevos y una novedosa forma de escritura musical, la notación mensural.
Renovó la antigua notación Modal y mejoró la codificación de ritmos más precisos
Organum
Es quizás el intento más antiguo, incluso antes del siglo XI, de romper con un milenio de costumbre monódica. Alcanza su plenitud en el seno de la Escuela de Notre Dame de Paris con compositores como Léotin y Pérotin aunque pronto sería eclipsado por otro género novedoso.
En su fase inicial comienza con balbuceos. Sobre un fragmento de cantus firmus (o voz fija, principal) se incorpora una voz organal, el duplum (o doble) evolucionando en paralelo, a una distancia de una cuarta o una quinta, nota contra nota (punctum contra punctum, de ahí el término "Contrapunto"). Se produce un avance significativo cuando la voz organal parte de la misma nota que la voz principal, se separa de ella hasta una cuarta, evoluciona en paralelo, para luego volver a juntarse en el momento final.
Cabe mencionar quizás, que un Intervalo es la distancia que separa a dos notas. Estos se nombran por número según la posición que ocupa la segunda nota con respecto a la primera. Por ejemplo, entre un DO en la voz grave y un SOL por encima de éste, al estar comprendidas cinco notas (do, re, mi, fa y sol) se lo denomina Quinta (5ª). Bajo esta misma norma, el intervalo entre MI y LA será de una (4ª) cuarta (mi, fa, sol y la; cuatro notas). Durante mil años se aceptó como intervalo de consonancia perfecta la 4ª, la 5ª y la 8ª; y nunca se dió lugar a otro tipo de distancia. Es notable que en esta época comience a expandirse la percepción de "consonancia" y se incorporen otras distancias anteriormente inaceptadas.
En el siglo XII la voz organal renuncia al paralelismo, se despega de la voz principal (convirtiéndose en Tenor) y se enriquece probablemente con adornos improvisados. Con la escuela de Notre Dame del siglo XII, este género alcanzó su máxima expresión, en especial en cuanto a su libertad ornamental y variedad rítmica que permiten hablar de una verdadera invención musical.
Magnus Lieber organi (Léonin)
Viderunt omnes (Pérotin)
Sederunt principes (Pérotin entre 1198 y 1199)
Gymel
Su nombre deriva del latín cantus germellus (canto gemelo). Es característico de la música inglesa del siglo XII donde tuvo auge hasta que si impusieron los gustos franceses. Reapareció en los siglos XIV y XV bajo el nombre de "falso bordón" o "fobardón" y desaparece a mediados del siglo XV a la muerte de John Dunstable.
En este género se superponen dos melodías a un intervalo de tercera o de sexta, intervalo que los compositores franceses consideraron una consonancia imperfecta. Esta es la principal diferencia con el organum con el que tiene muchas similitudes formales. En el Gymel, la melodía principal o cantus firmus está acompañada por la tercera inferior. Es decir, por ejemplo, para un FA de la melodía, el bajo interpreta un RE. El paso de este RE por encima del FA crea el intervalo de sexta.
Veni creator spiritus (John Dunstable)
Conductus
Originalmente ideado para acompañar al sacerdote al altar, quizás sea mucho más antiguo. En los siglos XIII y XIV se asociará por su libertad conceptual con diversas ceremonias e influirá en diversos géneros profanos, sobre todo en la canción.
Es una composición a una o varias voces, todas inventadas, es decir, no extraídas del repertorio litúrgico tradicional. Escrito a dos o tres voces a partir de la escuela de Notre Dame, se caracteriza por su libertad inventiva, lejos de las cortapisas litúrgicas, y or la claridad del texto en latín, debida a la escritura vertical, puesto que las diversas voces pronuncian las mismas palabras a la vez.
Motete
Además de ser el género más importante de esta sección, representa el procedimiento más audaz por el que la música medieval se emancipa.
Philippe de Vitry
Comenzando el siglo XIII apareció como un tropo de organum, en el que se superponía un fragmento de voz principal y una melodía inventada con un texto independiente, el motetus. A este ultimo se le añade una segunda voz inventada, el triplum. En el motete medieval los instrumentos podía sustituir las voces de formas muy diferentes. En términos generales, se caracteriza por la coexistencia de lo sagrado y lo profano, la coincidencia del latín y de la lengua vulgar; y la superposición de varias melodías y textos (dos en el motete doble, tres en el motete triple y cuatro en el cuádruple). Esta gran libertad se encuentra modulada por las reglas de la superposición sonora sin que aún se pueda hablara de acordes.
Guillaume Dufay- Salve flos Tusce
Es muy probable que el temor al desorden incitara a los polifonistas de esta época a cultivar nuevos parámetros estructurales, entre los que se encuentra la isorritmia, es decir, el mismo patrón rítmico para las distintas melodías. Sobre todo en el siglo XV se desarrolló la escritura en cuatro partes (dos voces inferiores, es decir tenor y contratenor, probablemente confiadas a los instrumentos, y dos voces superiores más ligeras llamadas motetus y triplum).
Llega a su apogeo en este mismo siglo en el que el motete es utilizado por los mejores compositores para los oficios litúrgicos. En siglos posteriores se convertirá en un género más instrumental.
Orlando di Lasso - Justorum animae
Josquin Desprez - Abasalon, fili mi
Giovanini Pierluigi da Palestrina - Super flumina Babylonis
Les propongo un ejercicio para seguir "amigandonos" con la cejilla. El mismo cuenta con varias formas y usos, por ahora lo aprovecharemos para poder familiarizarnos con el armado de acordes a lo largo de todo el mástil.
En el siguiente enlace podrán acceder al cifrado del ejercicio y a un video ilustrativo del mismo.
Ya se encuentra disponible la primera de las escalas menores en piano. En el video podrán encontrar la partitura de referencia tanto para la escala menor Armónica como para la Melódica, no sin antes describir algunas cualidades sonoras de ambas formas.
