Hola a tod@s
Agregamos hoy dos ejercicios más de "El pianista virtuoso" de Hanon. A practicar y disfrutarlo
Y como siempre, pueden acceder a todos los ejercicios ordenados desde el primero en la Página del Blog
Guitarra - Arpegios 10 y 11
Hola a tod@s
Hoy les alcanzo dos ejercicios nuevos de arpegio.
Ejercicio Arpegio Nº 10
La estructura es (atención con el dedo pulgar):
Pulgar (6ª) e Índice (3ª) en simultáneo
Anular (1ª)
Medio (2ª)
Anular (1ª)
Repite con Pulgar en 5ª, luego en 4ª y nuevamente con pulgar en 5ª
Repite con Pulgar en 5ª, luego en 4ª y nuevamente con pulgar en 5ª
Ejercicio Arpegio Nº 11
La estructura es (atención con el dedo pulgar):
Pulgar (6ª) e Índice (3ª) en simultáneo
Pulgar (6ª) e Índice (3ª) en simultáneo
Medio (2ª)
Índice (3ª)
Anular (1ª)
Repite con Pulgar en 5ª, luego en 4ª y nuevamente con pulgar en 5ª
Repite con Pulgar en 5ª, luego en 4ª y nuevamente con pulgar en 5ª
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Guitarra - Ligados 10 y 11
Agregamos dos ejercicios nuevos de ligados
Ligados Ej. Nº 10
Ligados Ej. Nº 11
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Guitarra - Digitacion 10 y 11
Hoy incluimos dos ejercicios más de Digitación.
Digitación Nº 10
Digitación Nº 11
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Piano - Tecnica inicial
Agregamos dos ejercicios más del libro "El pianista virtuoso" de Charles Hanon. En esta oportunidad, los ejercicios 7 y 8. Si aún les complica ver ambas manos al mismo tiempo, a no preocuparse. Estos ejercicios, dentro de este contexto, solamente buscan agilizar ambas manos y adaptarlas a la técnica pianística. Primero asimilen una mano en un sentido (ascendente o descendente) y luego lo mismo con la otra para finalmente juntarlas y tocar al mismo tiempo. Si notan que los ejercicios anteriores salen con fluidez, intenten entonces encarar estos nuevos (y a partir de ahora todos) con ambas manos a la vez. Nadie los corre, vamos paso a paso, la velocidad pierde siempre ante la perseverancia.
Como siempre, pueden acceder a la totalidad de los ejercicios subidos hasta ahora, desde la Página del Blog
Lenguaje Musical - Clase 6
Tal como pudimos ver en la clase 3 de Lenguaje Musical, la Altura del sonido contiene una amplitud de onda (ligada directamente con el volumen y la intensidad del sonido) y una longitud de onda que se mide en Hertz (ciclos por segundo) y define puntualmente la altura de una nota. A modo de repaso...
También pudimos apreciar que, entre todas las alturas que pueden existir en el sonido, algunas son audibles y otras no. Junto a ello recreamos algunas melodías tradicionales (Arroz con leche) identificando dos sonidos en particular: La TÓNICA que nos dará la sensación de calma, reposo, de haber "llegado a puerto"; y la DOMINANTE que sugiere todo lo contrario: tensión, y esta tensión se "relaja" al regresar a la Tónica. El famoso y renombrado: "Chin-pum".
La Música tonal, que es la que habitualmente escuchamos, utiliza determinados sonidos que se ordenan según una estructura llamada Modo. En nuestro entorno cultural se frecuenta el uso de dos modos, dos posibles formas de ordenar lo sonidos: El Modo Mayor y el Modo Menor. Con el hábito de escuchar música, las personas fuimos incorporando sonidos como "correctos" o "incorrectos" según este ámbito modal. Así mismo, esto también ha ido evolucionando a través de los años y aquello que antes no se aceptaba como dentro del esquema de notas "correctas", ahora ya es aceptado y hasta de uso frecuente.
Ordenando del grave al agudo (o viceversa) los sonidos obtenidos según el modo obtenemos la ESCALA. Con los sonidos de esta escala construiremos la música. Consideraremos "desafinaciones" a todos los sonidos que están fuera del ámbito sonoro formado por los sonidos de la escala.
La escala comienza y termina en sonidos que producen sensaciones de Tónica. Ordenando los sonidos del grave al agudo, la escala comienza en la TÓNICA y termina en un sonido cuya frecuencia (hertz) es el doble de la frecuencia de la Tónica, el cual también produce sensación de Reposo. En este sonido puede comenzar una nueva escala ascendente. A la inversa, si se ordenan los sonidos del agudo al grave, la escala terminará en un sonido cuya frecuencia (Hertz) será igual a la mitad de la frecuencia de la tónica aguda y a partir de este sonido, en el mismo sentido descendente, puede comenzar una nueva escala. Es oportuno mencionar que la 5ª nota de la escala es precisamente la Dominante (chin-pum) quien se presenta en clara contraposición melódica con la Tónica. Cinco notas desde la tónica ascendiendo hasta la 5ª, y cuatro notas desde esta 5ª hasta la 8ª. 
Cada una de las secuencias de ocho notas (comenzando y terminando en la misma) se la llama OCTAVA. En la música suelen utilizarse hasta siete (7) octavas.
Todas las notas están claramente separadas entre sí. Un DO no suena igual que un RE, ni un MI; sin embargo, no todas están a la misma distancia una de otras. La distancia es sonora, es la relación Grave-Agudo (Alto-Bajo) que existe entre dos sonidos. Si bien es posible "ver" claramente la distancia entre dos notas en algunos instrumentos, no ocurre en todos. No es posible "ver" la distancia entre dos notas que ejecuta una flauta, una trompeta, etc.
Estas distancias se miden de la siguiente manera:
La distancia entre dos sonidos consecutivos (sin sonido intermedio o tecla negra del piano) se llama SEMITONO, mientras que la distancia entre dos notas (cuya separación incluye otro sonido) se llama TONO. Con estas medidas podemos asignarle una estructura de distancias a la escala de DO mayor:
Partiendo desde la Tónica (primera nota de la escala), todas las notas estarán separadas por un TONO, excepto la 3ª de la 4ª y la 7ª de la 8ª. Esta escala nos presenta las notas naturales y sus distancias entre sí, y para comenzar a grabar ciertos conceptos que nos van a ser de mucha utilidad al ir avanzando, les sugiero memorizar:
Las notas son las representaciones gráficas de los sonidos de la escala. Se escriben en el pentagrama según la siguiente convención: una CLAVE (como la clave que descifra un mensaje secreto) fija una nota en determinado lugar del pentagrama y a partir de ella se encontrarán los demás sonidos. Si bien existen muchas claves ubicadas sobre diversas líneas, actualmente las más usadas son dos:
De las dos, la que más vamos a utilizar durante este bloque, será la de SOl. La clave de SOL se apoya sobre la 1er línea del pentagrama señalando la 2da línea sobre la que se ubicará la nota SOL de nuestra escala. El resto de las notas, siempre en el mismo orden, se irán distribuyendo entre los espacios y las líneas restantes
Todas las notas ubicadas sobre una línea, deben ser claramente atravesadas por las mismas. Todas las notas ubicadas sobre un espacio, deben alcanzar a tocar ambas líneas que la rodean. Para escribir una nota fuera del pentagrama, agregamos una LÍNEA ADICIONAL que ocupa sólo el lugar de la nota en cuestión.
La otra clave es la de FA. Ubica sus dos puntos rodeando la 4ta línea sobre la que se ubicará la nota FA de nuestra escala. El resto de las notas, siempre en el mismo orden se irán distribuyendo entre los espacios y las líneas restantes:
De esta manera, uniendo las dos claves, nos quedan las siguientes notas:
En la imagen podrán observar que he resaltado el DO del medio con el color Azul. También podrán ver ciertos números junto a cada nota escrita sobre el teclado. Bien, estos números corresponden a las octavas del piano que se enumeran del grave hacia el agudo. Con este sistema, el DO4 (C4), correspondiente al inicio de la cuarta octava, se lo denomina DO CENTRAL y une los dos pentagramas de ambas claves. Es la primer línea adicional grave en clave de Sol, y es la primer línea adicional aguda en clave de FA. Al sentarnos frente a un piano (un verdadero piano, no un teclado), suele ser el DO ubicado más al centro y siempre cerca del hueco de la llave de la cubierta que protege las teclas. Para las voces femeninas o infantiles (las llamadas voces blancas), ese DO queda en la parte grave o media de su registro. Para una voz masculina, es agudo.
Sugerencias
Recomiendo memorizar algunas cosas. Esto suele ser como cualquier proceso de aprendizaje en el que primero reconocemos elementos por separado, los realizamos de manera consciente hasta que poco a poco se va naturalizando. Pensemos en que una vez que aprendimos a caminar, rara vez necesitamos concentrarnos con cada paso que damos. Simplemente caminamos y elegimos a donde ir. Con los elementos del lenguaje musical ocurre lo mismo, es muy útil memorizar ciertas cosas para luego saber usarlas de forma automática. Ante lo expuesto sugiero comenzar memorizando:
- El nombre de las notas en orden ascendente y descendente. Ejemplo: DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI, DO y DO, SI, LA, SOL, FA, MI, RE, DO.
- Partiendo de cualquier nota hasta llegar a su octava en orden ascendente y descendente. Por ejemplo: MI, FA, SOL, LA, SI, DO, RE, MI y MI, RE, DO, SI, LA, SOL, FA, MI. Repetir hasta poder iniciar la escala desde cualquier nota y en cualquier orden.
- Líneas en clave de Sol: MI, SOL, SI, RE, FA. Esto nos permitirá acceder a cualquier nota escrita en pentagrama con mayor facilidad.
- Espacios en clave de Sol: FA. LA DO, MI
- Líneas en clave de Fa: SOL, SI, RE, FA, LA
- Espacios en clave de Fa: LA, DO, MI, SOL.
Ejercicios:
Vamos a comenzar a relacionar las notas con el ritmo. Cante la escala ascendente y descendente con los siguientes ritmos (una nota por cada figura):
Es interesante ver como necesitamos retener en la memoria el último sonido cuando existe un silencio entre dos notas. Compruebe su afinación con algún instrumento a su alcance y no se preocupe por cantar exactamente la nota DO y su escala. Si bien vamos a llamar a cada nota por su nombre, a los fines de este ejercicio y esta primer etapa de aprendizaje, lo conveniente es encontrar un sonido que nos quede cómodo a nuestra voz y desarrollar la escala cuidando que nos siga quedando cómoda la última nota de la misma. A modo de ejemplo, mi registro es barítono. Si debo cantar de un DO al siguiente, las últimas dos notas van a sonar exigidas sin sentido. En cambio, para realizar este mismo ejercicio, toco un SOL o un LA en el piano y comienzo desde ese sonido nombrándolo DO, y a partir de allí continúo el ejercicio.
Ahora canten las notas escritas por su nombre (sin ritmo) repitiendo cada tramo varias veces, luego cante una vez cada uno. Al finalizar, pruebe cambiar el orden. Por ejemplo: 1, 4, 8 y 7. Luego 2, 5, 9 y 11, etc...
Ahora lea cantando las siguientes melodías. Marque el compás con la mano. Cuide el fraseo y recuerde encontrar las frases melódicas y recordarlas de memoria:
No se apresure a cantar. Tomelo con calma. Poco a poco va a poder internalizar cada uno de los sonidos de la escala y ubicarlos correctamente cuando exista algún salto. Lleva práctica y siempre es mucho más provechosa la práctica grupal. Si tiene compañeros de estudio o amigos que se fanaticen con la música y su lenguaje, es hora de pedirles ayuda y trabajar juntos.
¡Hasta la próxima!
Blues, Rock y otras yerbas 4
Muy bien, ya hemos alcanzado a ubicar la figura de Elvis Presley en el contexto histórico de la década del cincuenta, junto a los detalles (para nada insignificantes) de la situación social y el odio racial que imperaba en Norteamérica. Y precisamente hoy vamos a enfocarnos en tres músicos de color que marcaron también a las siguientes generaciones.
Ray Charles
El primero de ellos es un hombre nacido en Albany (capital del estado de Nueva York) un 23 de septiembre del año 1932 bajo el nombre de Ray Charles Robinson. Mudado junto a su familia de muy pequeño a Greenville, Florida, a lo que fuera una comunidad muy humilde; el joven Ray comienza a perder la vista a los cinco años para quedar completamente ciego a los siete. No obstante, su curiosidad por la música lo llevó a estudiar y componer en sistema Braile, participando de una vida musical activa ya desde sus inicios. Por influencia de su ídolo King Cole, fundó en 1948 un trío llamado McSon Trío (también conocido como Maxim Trío). En 1950 se asoció con Lowell Fulson, cantante y guitarrista de blues con quien inició una serie de giras por todo el país. También participó en las bandas de T-Bone Walker y de Joe Turner, que figuraban entonces entre los abanderados del blues.
Su primer simple (recordemos que en aquella época sólo era posible ser escuchado por la radio, que no iba a transmitir más de una canción) fue Confession Blues, de su propia autoría y grabado en 1949 en compañía de este trío ya mencionado. Como podrán determinar con la fecha, esto es anterior a Elvis y Ray comenzaba a dar grandes pasos en su carrera artística. Una carrera que, a diferencia del Rey del Rock, se acercaba más al Rhythm and Blues (exclusividad de la población de color) sin acercarse tanto al mercado que coparía, años más tarde, el ya renombrado astro blanco.
Cuatro años más tarde, el agente Ahmet Ertegun de Atlantic Records lo contrata y comienza a fortalecer su imagen artística como una de las figuras imprescindibles del Rhythm and Blues. Vivió sucesivamente en diversas ciudades y, tras unirse a Ruth Brown, formó una banda en la que también se integraron David Newman (saxo) y Joe Bridgewater (trompeta). A mediados de la década de los años cincuenta Ray Charles creó esa suerte de magnífica fusión entre el blues, el gospel (aunque fuera muy criticado por ello) y el swing, e impuso a su música también lo frenético del rock & roll
Ya con su canción I got a woman (1954) se situó en lo más alto de la música negra. No obstante, esto fue sólo el principio. Después llegarían otros grandes éxitos como Hallelujah o I love her so, en los que introdujo como novedad el piano eléctrico en bandas de Rhythm & blues. Estas bandas, por otro lado, se asemejaban ya a grandes orquestas, en las cuales era posible encontrar a renombrados trompetistas como Joe Hunt o Marcus Belgrave, saxofonistas como Hank Crawford, David Newman o Don Wilkerson, y contrabajistas como Edgar Willis, además de algún que otro coro femenino (las llamadas Raelets) con cantantes tan sobresalientes como Mary Ann Fisher o Marjorie Hendrix.
Durante los años cincuenta, que fueron mayormente de proyección internacional, participó en proyectos de músicos de jazz muy reconocidos, como es el caso de Milt Jackson (con quien grabó el famoso Soul brothers), Betty Carter, Oscar Pettiford, Kenny Burrell o Billy Mitchell. También triunfó en algunos festivales carismáticos como el de Newport (1958) o en el templo del jazz, el conocido Carnegie Hall (1959). En 1960 visitó Europa y triunfó con su éxito Georgia in my mind; en el viejo continente, en los años ochenta, sería incluso más reconocido que en Estados Unidos.
Ray Charles fue uno de los mitos del rhythm & blues. Su estilo, personal y eficaz, siguió ganando adeptos durante medio siglo y ha hecho de él uno de los personajes más carismáticos de la historia de la música. Su fusión de variados estilos musicales resultó un hallazgo. Conjugó a la perfección rhythm & blues y rock & roll, sin olvidar sus guiños al jazz u otros estilos tales como el country, la opereta, el gospel o el pop. Dueño de una voz singular y reconocible por todos, su figura se convirtió en uno de los iconos más representativos de la música del siglo XX. El timbre "roto" de su voz, marcado y trágico una veces, melodioso y dulce otros, constituyó uno de sus mejores dotes, y puede compararse con las voces de Louis Armstrong, Nat King Cole o Bessie Smith.
Como pianista, su estilo también marcado y percusivo fue casi insuperable dentro del estilo del blues negro. Acordes superpuestos, ritmo frenético o melodías suaves y cadenciosas en las baladas, son los rasgos musicales más característicos de Ray Charles al piano. En 2005 su vida es retratada en cine bajo la inmejorable actuación de Jamie Foxx y es una película altamente recomendable. Dejo el trailer por aquí (si no la han visto, lo recomiendo):
Chuk Berry
Antes del nacimiento de Ray Charles, en San Luis (Misuri) daba sus primeros aullidos al mundo otro ícono del Rock: Charles Edward Berry. Algunas fuentes ubican su nacimiento en 1926 y otras en 1931, claro que en lo que sí coinciden es que nos dejó un 18 de marzo de 2017. Considerado el "padre" del rock, fue él quien allanó el paso del rhythm and blues al rock and roll en los años cincuenta. Logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo y tuvo una gran influencia posterior, tanto en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton) como en compositores (Bob Dylan o John Lennon, ferviente admirador suyo). Su manera de tocar nerviosa, frenética y casi histérica, era un estilo único que subió su cotización en muy poco tiempo.
Berry comenzó su carrera, influenciado por el Boogie-woogie, el blues y el swing; actuando en fiestas desde joven. Su primera guitarra fue una de cuatro cuerdas (guitarra tenor) que le habían prestado. En 1944 es arrestado junto a dos amigos por robar unas tiendas y un automóvil. Fueron condenados a diez años de prisión, aunque Berry, luego de cumplir tres años de condena en un reformatorio juvenil (donde formó también un grupo de canto) salió en libertad.
Ya transcurriendo 1953 se une a una banda de Rythym and Blues que tocaba en un club de San Luis llamado Cosmopolitan. Al poco tiempo, habiendo ganado un gran protagonismo, la banda cambia su nombre de "Sir John trio" (liderada por el pianista Johnnie Johnson) a "Chuk Berry Combo" interpretando canciones country, y versionando temas de Nat King Cole o Muddy Waters. Esta mixtura de ritmos y timbres atrajo a una gran audiencia. 
Su carrera discográfica comienza en 1955, cuando Muddy Waters le facilita el contacto con Leonard Chess (dueño de la discográfica Chess Records) y graba Maybellene, que sería uno de los primeros éxitos del Rock And Roll. En 1956 publica cinco singles más, pero sólo Roll Over Beethoven llegó a obtener repercusión en aquella época dominada por el gran Elvis Presley. Su carrera siguió en línea ascendente, aunque nadie podía imaginar entonces la influencia que iba a ejercer en años posteriores. Actuó en vivo con frecuencia en todos los rincones del mundo e intervino en numerosos films.
En 1959 fue encarcelado por espacio de dos años, al haber sido encontrado culpable de cargos de inmoralidad contra una empleada de su night-club. Cuando salió de prisión, sus temas eran más conocidos que los de las nuevas bandas que por aquel entonces iban surgiendo (sus temas fueron versionados por The Beatles y The Rolling Stones en sus primeros álbumes) y recogió buen número de éxitos hasta 1965, cuando cambió de sello y fichó por Mercury, para el que editó tres álbumes con poca incidencia entre el público.
En la historia del Rock & Roll quedarán anotados para siempre un sinfín de magníficos temas (Maybellene de 1955, Sweet little sixteen y Johnny Be Goode, ambas de 1958, You Never Can't Tell de 1964, My Ding-A-Ding de 1972), además de su original paso del pato con el que cruzaba el escenario de un lado a otro.
Piano - Movimiento de acordes en DO mayor II
Tal como pudimos practicar el movimiento de acordes con tres notas visto anteriormente aquí, realizamos las mismas cadencias agregándole a cada acorde la 8va superior de la nota más grave de cada inversión. Abrimos un poco la mano derecha hasta alcanzar el intervalo, ya que esta armadura de acordes es muy utilizada sobre este instrumento a la hora de acompañar una canción.
Y como acostumbro, dejo aquí el enlace a los contenidos completos desde el inicio, referentes a la Armonía sobre Piano:
Guitarra - Acordes V
Un recurso muy utilizado (sobre todo) en el Rock son los "Power chords" o Acordes de 5ª. Seguramente recordaremos "Smoke on the water" o "Burn" de Deep Purple en los comienzos de los años 70, cuando utilizando estos acordes construyeron Riffs poderosos que nos permiten identificar la canción apenas comienza.
Si bien es cierto que en esta década se profundizó el uso de este tipo de acordes, no sólo en la construcción de riffs sino también (y mucho más utilizado) en el acompañamiento rítmico de miles de canciones; ya en la década anterior un grupo en particular (The Kinks) descubrió la poderosa sonoridad de esta forma al clavarle unas agujas de tejer al parlante para distorsionarlo. Quizás este haya sido el inicio de este efecto tan conocido (distorsión) pero el acorde en sí mismo es poderoso por el intervalo que lo compone.
Para armarlo sólo necesitamos ubicar la nota Tónica y, junto a ella, hacer sonar su 5ª nota (DO, re, mi, fa SOL). Por supuesto que para construirlo desde cualquier otra nota, hay que tener en cuenta que la distancia en tonos y semi tonos sea igual, pero esto lo iremos viendo en el bloque de Lenguaje Musical. Por ahora y ya que este tipo de acordes es de uso exclusivo de guitarristas eléctricos, comparto su forma en todo el diapasón, con sus posibilidades de armado agrupando dos y tres cuerdas
Podemos ver en primer lugar el mástil completo con cada DO y su 5ª (SOL) ubicadas. Luego separo el gráfico en grupos de tres (3) cuerdas, que podrán observar figuran en negritas. La tónica figura en rojo y la 5ª en gris. La nota que aparece entre paréntesis es la duplicación de la nota más grave en el armado del acorde y es opcional.
Es poco común utilizar las tres primeras cuerdas de la guitarra para ejecutar estos acordes ya que la altura de estas notas comienza a perder "peso" (poder, fuerza, garra) y se desvanece el sentido que posee este acorde. Existen miles de ejemplos de temas que lo utilizan como acompañamiento y muchos Riffs que lo utilizan. También suele ser utilizado en el Blues agregando algunas notas durante la base.
¡A sacarle provecho, se ha dicho!
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