Lenguaje Musical - Clase 2

Habiendo concluido la clase 1 con una pregunta y antes de continuar con la presente exposición, comparto con ustedes un fragmento de la obra "El compositor en el aula" de Murray Shafer; en donde el autor describe un debate junto a sus alumnos intentando acercarse a la definición de MÚSICA.


Habiendo leído este texto, podemos enumerar tres elementos principales que están presentes en la Música: 

Ritmo
Melodía
Armonía

Ritmo cardíacoEl RITMO implica movimiento. La respiración, el latido, el paso al caminar o al bailar, los días y los años, las estaciones. Está ligado con la Duración del sonido, y según su secuencia de repetición sugerirá cierta velocidad.
Toda música tiene un latido implícito. Un pulso constante que puede o no estar marcado por un instrumento. Para encontrarlo, podemos batir palmas o marcar con el pie, intuitivamente, sobre cualquier canción (los invito a realizar este ejercicio con cualquier música que les agrade).

Al hacer esto, estamos encontrando el PULSO de esta canción y se lo podría representar como puntos consecutivos separados por una misma distancia. 


Pulso musical

La mejora manera de incorporar estos elementos, es nuestra propia musicalidad. Pensemos en cualquier música que recordemos fácilmente. Puede ser la de un comercial, una infantil y tradicional, la que sea. Cántenla y dejen que la mano o el pie encuentre el pulso. Suele ser una respuesta intuitiva del cuerpo ante el estímulo musical.

Seguramente habrán notado al hacerlo, que la misma música los lleva a marcar un poco más fuerte algunos pulsos. Utilicemos como ejemplo el Arroz con leche. Si prestamos atención, vamos a notar que ciertas sílabas sobresalen:


Arroz con leche me quiero casar
con una señorita de San Nicolás

No es casual que cada una de estas sílabas esté acentuada. Precisamente al hacerlo, estamos encontrando el ACENTO de la canción. Este acento se lo suele llamar "tierra" y siempre se encuentra naturalmente en el primer pulso de un compás.

y... ¿Qué es un compás?
Es el grupo conformado por un acento y los pulsos suaves que le sigan. Se lo escribe como una barra vertical que separa las notas y los
 grupos más comunes son:

Compás

Profundizaremos más sobre la diversidad de compases que podemos utilizar, a medida que avancemos. Mientras tanto, los invito a ejercitarse y probar encontrar el pulso de los siguientes ejemplos (y pueden sugerir otros):


Para poder graficar la duración de los sonidos, se emplean signos llamados FIGURAS. Estas figuras van a representar la duración del sonido, ya sea un tiempo, dos tiempos, medio tiempo, etc..

Duración de los sonidos-figuras

Como se aprecia en el cuadro, la Unidad se divide en dos medios. Cada uno de estos en dos cuartos. Cada cuarto en dos octavos y así sucesivamente. A cada una de estas fracciones de tiempo, le corresponde una figura rítmica que aparece en el margen izquierdo, siendo la unidad una Redonda (Whole note), la mitad de esta unidad se grafica con una Blanca (Half note). El cuarto de esta unidad con una Negra (Quarter note) y el octavo de esta unidad con una corchea (Eigth note). Aquí dejo un video ilustrativo:




Así como podemos graficar la duración de un sonido, podemos hacerlo para la duración de un SILENCIO. De esta forma, a cada figura rítmica le corresponderá una figura que represente un silencio.

Silencios musicales

Esta representación matemática nos permite dividir y subdividir un compás como deseemos hacerlo. Las posibilidades se irán multiplicando a medida que avancemos.

Los compases deben estar completos. No puede faltarle ni una porción de tiempo en su escritura. La suma de sus figuras y/o silencios debe completar la cantidad de pulsos que se agrupan dentro del compás.

Pulsos y compases musicales

Existen reglas detallistas que norman la forma de escribir música, y puedo asegurarles que no sobra ni una de ellas. Pero como esto intenta ser un taller virtual de experiencia musical, solo nombraré las que considere necesarias en función de entendernos y pasar al juego lo antes posible.
Por ejemplo: Las figuras que contienen plica (barra vertical que se desprende) pueden agruparse, según el compás, para su mejor visualización y lectura

Plica-compás


Por hoy llegamos hasta aquí. En las próximas publicaciones profundizaremos un poco más este tema y continuaremos hacia las primeras nociones de Melodía y Armonía; pero antes, para cerrar esta primera etapa de Ritmo, les dejo unos videos que no tienen desperdicio


Hasta la próxima

Blues, Rock y otras yerbas 2

En la entrega anterior realizamos un repaso del nacimiento del Blues, describimos la realidad que padecían aquellas personas y enumeramos algunos referentes musicales de la época. También, muy por encima y a modo anecdótico, mencionamos una incorporación tecnológica que, a mi humilde modo de ver, cambió las cosas para siempre.

cilindro parlante
Cierto día del mes de enero de 1877, Thomas Edison inscribía la patente del primer cilindro parlante. Un cilindro de cinc con revestimiento de hoja de estaño, originalmente ideado para el dictado en las oficinas que se encargaban de sus negocios. La cantante Lily Moulton fue la primera en grabar su voz con este aparato y quedó horrorizada de los chirridos metálicos que este producía. Diez años más tarde de le realizaron algunos cambios (como un cilindro de cera dura y un motor) para terminar produciendo la misma sensación en aquellos músicos que lo escuchaban.

Este novedoso inventó pasó por varias etapas. Producir cilindros no era una tarea sencilla. Significaba un proceso muy lento ya que era imposible hacer copias, sin embargo logró imponerse como moda. No obstante, quien logró que el fonógrafo fuese un práctico instrumento para distribuir música en grandes volúmenes fue el alemán Emile Berlinger. Logró grabar en un disco de cinc y luego inventó la forma de hacer copias por impresión de un disco negativo. Los discos se movían a cuerda hasta que Eldridge Johnson, un mecánico de Camden, fabricó para Berlinger un motor pequeño con un movimiento de reloj para que la bandeja portadisco diera vuelta.

micrófono de radio antiguo
Berlinger creó la Victor Talking Machine Corporation en 1901 y fusionó las patentes para que sus competidores pudieran utilizar discos en lugar de vinilos. El negocio creció y se volvió un negocio millonario, por lo menos hasta la década del 30 en que surgió la radio. Fue en este momento en que la compañía Western Electric logró que los aparatos de radiodifusión fueran aprovechados para mejorar la calidad de audio conseguida hasta el momento por las discográficas. Se reemplazó la bocina por un micrófono, convirtiendo las vibraciones por ondas eléctricas posibles de amplificarse mejorando notablemente la calidad del sonido.

Ya situados en los tiempos descritos en la publicación anterior, reitero la importancia de este evento ya que la música comenzó a industrializarse. ¿Qué significa esto? Que los dueños de la industria son quienes determinan qué se vende y qué no, qué debe escucharse y qué no, siguiendo los dictámenes de la moda. Esto (esté uno de acuerdo o no) potenció ciertos músicos y dejó de lado otros, por ende, todo lo que podamos resumir de la historia del blues y del rock, principalmente va a estar signado por las decisiones de los dueños de estas industrias que, lo último que desean, es perder dinero.

Ahora sí, retomando esta historia, comienza la década del 50 en donde el Rock and roll comenzó a ganar auge gracias a muchos grandes artistas que supieron dejar su marca.


spiritualRock and roll era, originariamente, un término náutico que servía para expresar los movimientos y balanceos de las embarcaciones. Posteriormente el término empezó a ser utilizado en la música espiritual negra, el gospel, con un significado bien distinto al que acabaría teniendo. Los cantantes de gospel utilizaban esta expresión para referirse al estremecimiento que experimentaban sus almas al comunicarse con Jesús. Frases como ''Rock me Jesus'' o ''Rock me Lord'' eran habituales en sus cánticos.


Roy BrownNo fue hasta 1947 que el término se utilizó de otra manera. Roy Brown, estrenó en ese año un tema que se denominaba ''Good rocking tonight'', aludiendo irónicamente al movimiento que provocaba el ritmo de la canción, es decir, al baile. Pronto se amplió el significado hasta abarcar alusiones sexuales que encajaban perfectamente con los nuevos ritmos que estaban surgiendo en los Estados Unidos. De hecho, las comunidades marginales negras utilizaban desde los años 20 esta expresión para referirse al acto sexual, de manera que el término parecía adecuarse a la perfección a esta nueva cultura subterránea y provocadora que surgió en torno a esta música.


Post guerraMe gustaría que pudiéramos ubicarnos en cierto contexto histórico.
Norteamérica, ya para los años 50, tenía en su haber dos guerras mundiales. Las nuevas generaciones habían sufrido la pérdida de seres queridos y hasta el desarraigo. La nueva música nace de estas entrañas, deseando expandir su potencial y liberar la creatividad. Era una fuerza motora que comenzaba a arrasar con todos los prejuicios y cánones sociales preexistentes. 

country musicEsta música representaba a los jóvenes disconformes con la sociedad americana. Los combatientes negros de la segunda Guerra Mundial, que habían luchado codo a codo con los soldados blancos, se encontraron a su regreso con un rechazo racial; al mismo tiempo, los soldados blancos no encontraban trabajo. Por lo tanto, ambos bandos no podían participar del mundo feliz que les machacaban sin cesar las canciones en los medios de comunicación, con temas dulces y románticos interpretados por "crooners" como Frank Sinatra, Perry Como, Cloney & Crosby... Los negros se refugiaron en su música rítmica llamada rhythm and blues y los blancos en las melodías del country.

Chuk BerryA principios de los años 50 decenas de grupos de blancos interpretaban sus baladas románticas intercalándolas con temas más movidos y bailables. Como todas las modas, ésta rechazaba lo anterior por anticuado, y el término rock and roll comenzó a utilizarse a partir de 1954 para designar toda esta nueva producción en contraposición al antiguo rhythm and blues. En realidad se trataba de la misma música, pero la industria renegaba de un término con demasiadas connotaciones raciales, demasiado negro, para promocionar a sus nuevas estrellas. Así, muy pocos músicos negros fueron promocionados entre los adolescentes blancos como estrellas del rock. Entre ellos podemos citar a Little Richard, Bo Didley, Fats Domino o Chuck Berry.

Elvis PresleyParalelamente las discográficas encumbraron a sus cantantes blancos. Nombres como Bill Haley, Buddy Holly, Gene Vincent o el propio Elvis Presley se convirtieron en un referente para miles de jóvenes deseosos de consumir la música negra, aunque para ello tuvieran que cambiarle el nombre.

Comparto a continuación algunos audios (están en formato video pero sólo por una cuestión técnica) de algunos de los grandes músicos iconos de esta época




1953 - Ray Charles - Mess around

1955 - Bill Haley - Shake, Rattle & Roll

1955 - John Lee Hooker - Dimples

1956 - Bo Diddley - Down Home Special

1956 - Eddie Cochran - Twenty Flight Rock

1956 - Elvis Presley - Blue Suede Shoes

1956 - James Brown - Please, Please, Please

1956 - Little Richard - Long Tall Sally

1957 - Buddy Holly - Not Fade Away

1957 - Gene Vincent - Lotta lovin'

1957 - Jerry Lee Lewis - Great Balls Of Fire

1957 - Jimmy Reed - Honest I Do

1957 - Sam Cooke - You Send Me

1958 - Chuk Berry - Johnny B. Goode

1958 - Everly Brothers - All I have to do is dream

Hasta la próxima





Generos musicales 2 - Edad Media I

En la publicación anterior de este tema, llegamos hasta el imperio Romano, mencionando simplemente que este se dedicó más a transformar lo ya existente que a crear estilos y expresiones nuevas en este campo. Aunque, para ser honestos, no es la música el único campo en donde se "apropiaron" creativamente de lo pasado.


A Zeus lo nombraron Jupiter, su esposa Hera ahora era Juno. Atenea, la diosa de la sabiduría pasó a llamarse Minerva y Artemisa, diosa de la caza se re bautizó Diana. Dionisio, dios del vino pasó a llamarse Baco. Ares, dios de la guerra, comenzó a ser nombrado como Marte. Afrodita, la diosa del amor ahora era Venus y Poseidón, señor de las aguas, Neptuno. Curiosamente, Apolo, dios de la curación, la poesía y la música, siguió llamándose de la misma forma. 

Esta tan poderosa civilización llega a su apogeo con el emperador Trajano, entre los años 98 y 117 de la era cristiana, pero bastaron un poco más de trescientos años para que este impero se "cristianice", divida y finalmente caiga marcando el inicio de lo que solemos llamar "Edad Media"

No se puede realmente llegar a comprender los géneros musicales de esta etapa sin tener en cuenta dos aspectos esenciales de la realidad de aquel tiempo: por una parte, el peso que tenía la iglesia en la construcción de la realidad; y por otra, la necesidad que tenía esta iglesia de propagar el mensaje evangélico por todos los canales a su alcance, entre los cuales se encontraba la música, como servidora supuestamente fiel a la palabra divina. Fue el papa Gregorio el Magno (590-604) quien impulsó la recopilación y sintetización de los elementos cantados de la liturgia, y esta herencia ha ido fecundando a través de los siglos gran parte del patrimonio musical europeo hasta nuestros días.

Un relevante problema de la música medieval son las fuentes. No existe un primer esbozo de una verdadera notación hasta el siglo IX. Por lo tanto, durante siglos se seguirá intentando descifrar de forma aleatoria, sin pauta estricta, manuscritos en muy mala conservación. Recordemos también que hasta el Renacimiento, predominaba la transmisión oral de la música.

En la Monodia, un número variable de intérpretes sigue el principio de emitir una sola nota a la vez. De ella deriva toda la música y todas las formas de aprendizaje. La génesis de la música occidental comienza con un milenio entero dedicado a este recurso melódico.


Los Modos

El modo, en su acepción más simple, es la organización jerárquica de todas las notas empleadas en el canto. En el siglo VI, se fijaron en ocho los modos gregorianos, o sea un total de cuatro escalas basadas respectivamente sobre los grados re (protus), mi (deuterus), fa (tritus), sol (tetrardius). Cada uno de ellos es susceptible de ser colocado en dos distribuciones llamadas el modo "auténtico" (del griego authentés (dominante) y "Plagal" (Plagios, oblicuo).
Por muy compleja que parezca esta realidad, hay que tenerla en cuenta para nuestra percepción de la música medieval y para entenderla en toda su complejidad. 




A quien esté interesado en este tipo de música, escuchar las grabaciones realizadas en la abadía de Solesmes, entre las que se destaca el Graduale romanum.



En cuanto a los primeros géneros que podemos enumerar y describir se encuentran:

La Salmodia

Es probablemente la forma más antigua de estructurar el material musical. Sus orígenes se pierden en la noche de los tiempos. La dificultad de describir su evolución histórica radica en que se transmite eminentemente de forma oral.
Este género está estrechamente ligado al texto sagrado al que infunde vida, y normalmente se basa en un conjunto de voces. Se define por la sutil relación entre su registro (amplitud entre notas graves y agudas) y el carácter del que depende el sentido del texto.

El Aleluya

Es la forma latina modificada de la invocación hebraica "Alabad a Yahveh", una expresión muy antigua de jubilo y de alabanza a dios y aparece innumerables veces en los textos sagrados. Es tan fuerte su connotación festiva que, en el año 595, el papa Gregorio el Magno prohibió a sus diáconos cantarlo, ya que "tal explosión de entusiasmo" restaba dignidad a su posición... al parecer, el entusiasmo no era "digno".
La forma más primitiva se presenta como una manifestación colectiva inscrita bajo el signo de la aclamación de júbilo. Su forma es elemental: AB. La parte A está tradicionalmente formada por el aleluya propiamente dicho, y el Jubilus caracterizado por un alargamiento de la vocalización. La parte B está construída por un versículo adornado a su vez por una vocalización. Un ejemplo:


La Antífona

En la Antífona primitiva se alternan dos coros. Más tarde, esta denominación va a referirse a una pieza melódica cantada antes y después de los salmos, en la que se repite un versículo de ese salmo o parte de él. 
Compuesta para la asamblea de fieles, la antífona, que sigue siendo ante todo un marco de recitación salmódica, evoluciona hacia un registro muy restringido (no sobrepasa las seis notas). Un ejemplo:




El Tracto

Durante la cuaresma (cuarenta días previos a la semana santa) se reemplaza el Aleluyua, que precede a la lectura del Evangelio, por el Tracto. Es el encargado de transmitir a los fieles la trascendencia de un momento tan fundamental del año litúrgico.
Este formato está caracterizado por dos coros que cantan alternativamente. En él se encadena una sucesión de versículos de un salmo, cada uno de los cuales se divide en dos partes. Por lo general, utiliza el octavo tono gregoriano (tetrardus plagal, final sol) y, con menos frecuencia, el segundo tono.


Responsorio

Aparte de la misa, la totalidad de la jornada litúrgica medieval (oficios nocturnos, diurnos y vespertinos) estaba dedicada a recitar salmos. El responsorio, al igual que la antífona, ocupaba un lugar privilegiado a la hora de encuadrar musicalmente esta actividad.
Está basado en el principio de alternancia entre un versículo de un salmo (B), adornado pero con una dicción próxima a la silábica, y el responsum o respuesta (A), con muchos más melismas. Tanto si es breve como prolijo, su estructura general es sencilla, basada en el esquema ternario ABA´y su desarrollo se caracteriza por la repetición de determinados elementos. Utiliza los ocho modos gregorianos.


La Secuencia

La secuencia, composición silábica en verso, designaba inicialmente cualquier manifestación de júbilo añadida. En el siglo IX, el monje Notker de la abadía suiza de Saint-Gall, atestigua la existencia de la secuencia, que se convertirá en una composición independiente en el siglo siguiente. Se compondrán miles de piezas de este tipo hasta el Concilio de Trento (1544 - 1563) en el que serán casi todas prohibidas para volver a la tradición gregoriana más pura.
La melodía de cada verso, a excepción del primero y el último, se repite dos veces: ABBCCD. A pesar de su continua y rápida evolución la secuencia permanecerá marcada por el silabismo, la cohesión formal y la elegancia expresiva.





El Tropo

Según el monje Notker (mencionado anteriormente), el tropo es, ante todo, un procedimiento aparecido en las abadías de Saint-Gall y Saint-Martial de Limoges a partir del siglo X. Dicho monje lo había adoptado en la segunda mitad del siglo IX para paliar su pérdida de memoria. consiste en introducir palabras sobre la larga vocalización del Aleluya y luego sobre todas las partes de la misa (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, etc), pero sólo una sílaba por nota. El Concilio de Trento (sí, otra vez) lo atacará ferozmente y acabará por eliminarlo de la liturgia.
El Tropo se destaca por su libertad. Al principio sólo incorpora adornos a la melodía ritual, y en especial a la del aleluya. Poco a poco se atreve a introducir textos nuevos sobre los fragmentos de melodías surgidas de la tradición paleocristiana. Como consecuencia lógica, el tropo terminará por inventarse su propio texto, su música y luego ambos, lo que permite considerarlo el primer género musical autónomo de la historia, el primero que puede especular con la música en sí sin tener cuenta la rígida tradición.



Por hoy llegamos hasta aquí. En la próxima entrega comenzaremos a ver qué ocurría fuera de la iglesia, con la llamada monodia profana.

Hasta la próxima.



Guitarra - Acordes 1

Acordes para guitarra


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Ya se encuentra disponible la primera tanda de acordes. Pueden descargar y/o imprimir el documento. Se incluye una breve orientación para su ejercicio. 

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Guitarra - Acordes

Guitarra - Ligados 1 2 y 3

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Ligados 1 2 3

Guitarra - Arpegios 1 2 3


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Guitarra - Digitacion 1 2 3

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Blues, Rock y otras yerbas 1

¿Cuándo y cómo nació el Blues?

En 1619 un barco holandés se ve obligado a desembarcar en las orillas de Jamestown (Virginia) y, a cambio de suministros, deja veinte africanos que llevaban a bordo. Así da inicio una larga cadena de eventos que dan forma a la historia de Norteamérica, pero lejos de desear describir un relato cronológico sobre la historia del país más poderoso del mundo, este evento marca el inicio de lo que luego resultaría ser una de las formas culturales más influyentes en la música actual.

Plantaciones

Los grandes terratenientes del sur de Norteamérica, comienzan a comerciar esclavos para lograr un bajo costo en sus inmensas plantaciones. El negro esclavo o mulato es marginado y despreciado, no se le permite tener posesiones, armas o hacer negocios. Tampoco se les permite instruirse en ninguna forma por considerarlo inferior biológica e intelectualmente. Se los venden en subastas, incluso separando familias y lanzando a sus integrantes a un mundo desconocido, desarraigado completamente. Se prohibe el matrimonio racial y se implementan castraciones y linchamientos intentando impedir el contacto sexual entre negros y blancos.

Esclavo de color con heridasEl blues nace allí, en este contexto. En forma de work songs o canciones de trabajo. No nace en las iglesias como el Gospel o el Spiritual. Tampoco es un canto coral sino una respuesta individual a la sociedad racista en la que fueron obligados a vivir. Nace como un sincero y visceral reflejo de la condición en que sus compañeros eran sometidos en los campos agrícolas o incluso en la cárcel. El cantante de blues no solamente canta. Gruñe, grita, llora, se lamenta; porque el blues es sinónimo de problemas. 

La religión africana Agysimbia aporta la base poetica y estructural al blues. Se basa en una "llamada" que se repite y en una "Respuesta". La melodía, a su vez, poco tiene que ver con las convenciones formales preexistentes en europa, y migradas hacia américa por los primeros colonos. No sigue una armadura de clave, ni se basan en los conceptos modales de Mayor o menor. No sigue una lógica diatónica y combina en ocasiones la 3ª mayor con la 3ª menor del acorde. 


Esclavos en plantaciones

El Blues, tal como lo conocemos hoy, es fruto de la forzada adaptación de esta música originada en la esclavitud hacia los cánones formales de la comercialización de la música. La secuencia de doce compases, el uso del Iº IVº y Vº iniciando cada grupo de cuatro compases (sólo por mencionar una de las tantas variantes que hoy presenta el blues) no existía en sus orígenes. Era un canto dolido, acompañado por un instrumento que simplemente dejaba sonar un acorde (Iº) insinuando cierta cadencia rítmica. Cuando el tenor de la letra lo ameritaba, buscando aumentar la tensión musical, cambiaban de acorde (IVº) hasta alcanzar el punto máximo de tensión con otro acorde (Vº) y luego resolver otra vez sobre el acorde inicial.


Slide
Los Bluesman comienzan a aparecer una vez finalizada la guerra civil a partir de la cual son libres (libertad un tanto complicada en la que les otorgaban 40 acres y una mula para que subsistieran por sí mismos). Estos vagabundos o Hobbo fueron los primeros trotamundos que viajaban en los trenes a vapor o a dedo. La guitarra comenzó a ser como una extensión de su cuerpo, acompañándolos a donde fueran. Se incorporó el slide (o cuello de botella) y comenzaron a cimentar musicalmente la presencia de riffs repetitivos y el uso de otro instrumento: la armónica. Lemon Blind Jefferson, Blind Blake, Charlie Jackson, Huddie Leadbelly, Son House y John Temple fueron los primeros cantantes de este blues, country blues o Folk. La repetición y el uso de estas estrofas le dieron esa unidad narrativa y carácter único que luego influyó en tantos otros géneros.

Ya en 1920 se publica el primer disco de blues (Crazy blues de Mammie Smith) como el puntapié inicial de una larga lista de músicos que fundaron las bases de lo que hoy reconocemos facilmente. Bassie Smith logra comenzar a hacerlo a partir de 1923. Blind Lemon Jefferson en 1926, quien se convertiría en la primer super estrella del género. Charly Patton en 1929, quien contaba con discípulos como Son House, Muddy Waters y el legendario Robert Johnson.


Robert Jhonson

Como se ha dicho antes, existen innumerable cantidad de músicos que iniciaron en aquellos años lo que hoy conocemos como blues. Les dejo a continuación algunos enlaces:




Hasta la próxima

Si desean profundizar el tema, les recomiendo www.eltelegrafo.com.ec

Generos musicales 1 - Antiguedad

Los restos del patrimonio musical antiguo que han llegado a nuestros días son escasos. Si no fuera por el aporte de su representación iconográfica (Pinturas, Esculturas, Grabados, etc) quedaríamos a merced de nuestra imaginación o la de algún osado director de cine que intente ilustrarnos como tan acostumbrados nos tiene este arte.
Estas imágenes dan testimonio de la presencia musical principalmente en festividades o rituales. 
Otras fuentes históricas también certifican la importancia de la música en las culturas primitivas. En la biblia, por ejemplo, "Yubal fue padre de todos los que tocan la cítara y la flauta" (Génesis 4, 21). Las personas de aquella época se agrupaban en categorías: pastores, músicos y herreros. La música, como elemento fundamental del rito, era el agente intermediario entre los dioses y los hombres.


Las fuentes musicales de aquella época son prácticamente desconocidas o escasas, y los términos utilizados para definir instrumentos musicales son imprecisos. No obstante, los especialistas parecen acordar en  la importancia que tenían algunos de estos como el arpa, la cítara, la trompeta y la flauta


Tras lo expuesto, hablar de género musical sería incomprobable como mínimo. De todas formas, los expertos suponen que el Himno estaba compuesto de una larga estrofa o varias encadenadas, y la Letanía probablemente constara de secciones variadas alternadas con un versículo inmutable. Estos dos géneros, según las representaciones gráficas halladas, tenían un puesto privilegiado en las ceremonias religiosas. El Salmo a su vez, conservaba el principio de los versos y el estribillo, invitando a la audiencia a repetirlo de forma regular.
La Lamentación se interpretaba en ceremonias fúnebres o ritos de súplica colectiva ante un peligro, y el Encantamiento, cantado o recitado, cumplía una función mágica.


En las pinturas de las tumbas reales de la Dinastía XII del antiguo Egipto, aparecen los músicos de un banquete funerario. Esto al menos nos permite reconstruir una visión de conjunto. 
La práctica de la música en esta cultura, está atestiguada treinta siglos antes de Jesucristo gracias a una abundante iconografía; y esto sólo se remonta al período helenístico que pone fin a la larga etapa de decadencia de un país que se encontraba bajo el domino de potencias extranjeras desde el siglo VIII.
Los músicos tocaban antes y después de los ágapes, junto a bailarinas, mimos y malabaristas. Pitágoras y Platón describen las virtudes educativas de la música en los egipcios y Estrabón explica que el estado controlaba muy de cerca el aprendizaje de esta arte ya que temían los excesos provocados por su práctica (si viviera hoy estaría algo asustado).


Para descifrar lo acontecido en la antigua Grecia, existen fuentes más confiables y bien documentadas. Los géneros se clasificaban de forma compleja siendo el principal el Nomos que constaba de una melodía muy sencilla acompañada de una cítara o aulos y estructurada en diversas partes. La Oda se interpretaba en situaciones solemnes. Las Escolias animaban la sobremesas. El Embaterre escoltaba a los guerreros en el asalto. El Péan era un agradecimiento a los dioses y el Pírrico estaba destinado a la danza. Por otra parte el Treno acompañaba los ritos fúnebres y el Ditirrambo parecía ser un himno a Dionisos y al placer.


Los géneros griegos estaban demasiado sometidos a los ritos religiosos, a su función social, al combate o al teatro como para poder ser considerados autónomos. Es probable que esto se haya acentuado por el hecho que el conocimiento de la música de la antigua Grecia se deba sobre todo a Boecio (480-524 d.C). Según la tradición griega extraída de las teorías de Pitágoras, las proporciones numéricas como fenómeno generador de una música la clasifica en tres categorías: Música mundana regida por el movimiento de los astros y de esencia matemática; Música humana que armonizaba la relación del hombre con el universo y la Música instrumentalis que crea objetos musicales a semejanza de la naturaleza.


En la antigua Roma parece que hubiesen renunciado a innovar en este terreno, dándole continuidad a los géneros previamente mencionados.

Fuente principal: Los géneros musicales - Gérard Denizeau (Ed. Robinbook, Barcelona, 2002)