En esta oportunidad quería dejarles unos ejemplos de improvisación sobre las escalas mayores vistas hasta el momento con digitación para Piano.
Como diría un amigo: "sacate los guantes". Ya lo he mencionado al inicio de este taller, soy apenas un principiante en el piano. He tardado bastante en decidir si subir o no estos videos ya que me da cierta vergüenza por no poseer una técnica al menos un poco más pulida. Lo que quise hacer es reflejar las cuatro escalas mayores vistas hasta el momento a la hora de JUGAR con sus notas sobre el piano, uniendo los conceptos ya vistos de TÓNICA y DOMINANTE. De esta forma, sólo ubiqué la cámara y me puse a jugar con las notas de una manera muy básica. No corté ni repasé ni corregí nada. Incluso dejé el audio como estaba, con cierta exageración en el "velocity" del midi, sobre todo en las notas más suaves. Claro que en lo que sí quise enriquecer el video, fue en la gráfica de lo que suena y hago. Podrán encontrar señalizadas la Tónica con su respectiva escala y las notas que forman su acorde. De esta forma es posible apreciar como funciona cada nota sobre estos dos acordes. Las notas incluidas en el mismo NO generan sensaciones confusas. Es como que "todo corresponde". En cambio, cuando acentúo notas de la escala que no están en el acorde que suena, la sensación es otra muy distinta.
Los invito a verlo, usarlo como guía con la condición de que se sienten al piano de inmediato y comiencen a jugar ustedes mismos con estas cosas.
El uso de la escala pentatónica mayor se combina siempre con su relativa menor ya que ambas escalas comparten las mismas notas. Como sus digitaciones son diferentes, esto nos otorga ciertas herramientas en guitarra que en otros instrumentos no encontraríamos. En primer lugar, ubiquemos la relativa menor:
Como podemos ver, un tono y medio más grave (tres trastes) encontramos la tónica de la escala menor relativa, en este caso LA. A partir de allí podemos armar cualquiera de los mapas vistos de esta escala y estaremos tocando "al mismo tiempo" las mismas exactas notas que su relativa mayor. Ahora veamos ambas escalas completas en el mástil:
El primer cuadro muestra las digitaciones de la escala mayor pentatónica de DO. Las líneas diagonales intentan separar visualmente ambas digitaciones ya que su desarrollo a lo largo del mástil corresponde a esta forma. La nota roja es DO y la amarilla es su relativa menor LA. El segundo cuadro muestra cada uno de los cinco mapas de la escala menor pentatónica de LA. Los recuadros encierran cada mapa resaltando su cualidad "vertical", y la flecha une ambos cuadros yendo de DO a LA. Sabiendo ubicar y combinar ambas digitaciones (Pentatónica mayor y Pentatónica menor relativa) tenemos un mundo de recursos para probar y experimentar, y los invito a hacerlo. Otra forma de combinación posible está relacionada con los conceptos vistos en la clase 3 y profundizado un poco más en la clase 6 de Lenguaje Musical. En ellas pudimos re descubrir el tan común "Chin-Pum" que suele aparecer en muchas melodías populares otorgando cierta sensación de calma al caer en la tónica de la escala. En estas clases vimos también que la Tónica corresponde a la primer nota de la escala, y la Dominante a la 5ª nota de esta misma escala. Siendo DO la primer nota de la escala, SOL será su quinta nota y por lo tanto su dominante. Esto nos permite resaltar estas funciones (o sensaciones) cuando improvisamos sobre uno u otro acorde. Por ejemplo:
Como ejercicio de muestra, preparé un video que simplemente ilustra lo que hago al improvisar sobre esta misma progresión de acordes. Mientras la armonía se encuentra sobre el primer grado de la escala (en este caso el acorde de DO mayor por ser esta la escala elegida), podemos tocar lo que ya hemos probado: pentatónica mayor sobre la Tónica de la escala (DO) y su relativa menor (LA) combinando mapas de digitación en todo el mástil. Lo que agregamos ahora es cambiar a la escala pentatónica mayor de SOL (nota Dominante de la escala de DO) y/o su relativa menor (MI) cuando la armonía pase por este acorde. De la siguiente manera:
Durante la clase 6 de Lenguaje Musical, pudimos observar sobre las teclas de un piano, la distancia que separa cada nota de la escala mayor de DO (teclas blancas del piano). Repasemos:
Como se puede observar en el gráfico del piano, las teclas blancas tienen nombre pero las teclas negras no. Una de ellas tiene signos de interrogación precisamente para provocar esa duda ¿Cómo se llaman esas notas?
Cada semitono ubicado entre dos notas naturales (cada tecla negra del piano) lleva el nombre de una nota natural seguida de un símbolo llamado Alteración. Existen cinco (5) tipos de Alteraciones. Estos signos alteran la altura de un sonido de la siguiente manera:
Las dos primeras son las más utilizadas y a las que vamos a darle uso hoy mismo. Para recordar con facilidad qué símbolo hace qué cosa, les sugiero una regla nemotécnica. El Sostenido Sube (un semitono) y el Bemol Baja (la misma distancia). Con estos conceptos, si queremos nombrar una de estas notas sin nombre hasta ahora (las teclas negras del piano) podemos hacerlo:
Si prestamos atención, podemos notar que una misma nota puede tener dos nombres (por ejemplo LA sostenido o SI bemol). A esto se lo llama Enarmonía y el uso de uno u otro nombre dependerá de un contexto más amplio que ya abordaremos.
Pudiendo nombrar todas las notas (naturales y alteradas) y sabiendo la estructura de la escala mayor de DO, podemos avanzar y conocer cómo se componen todas las demás escalas mayores (una por cada nota natural y/o alterada). Para hacerlo, vamos a comenzar por repasar la estructura existente entre las notas de la escala natural (DO mayor):
Separamos las ocho notas en dos grupos iguales de cuatro notas cada uno al que vamos a llamar Tetracordio (tetra = 4, cordio = nota), y ambos tetracordios se unen mediante un "TONO de enlace". Para ir descubriendo las demás escalas, vamos a tomar el tetracordio superior y lo vamos a transformar en tetracordio inferior de una nueva escala, completando las notas faltantes hasta la 8va correspondiente
Comprobamos que la distancia entre las notas coincida con la estructura de la escala que ya teníamos, y nos encontramos con un problema: la distancia natural entre MI y FA es de un (1) Semitono, pero según la estructura de la escala mayor, entre estas notas (la 6ª y la 7ª de la escala) debe existir un TONO.
Para corregirlo, elevamos un semitono la nota FA utilizando un sostenido. De esta forma, la distancia entre MI y FA# ahora será de un TONO (tal como la estructura lo pedía) y a su vez, la distancia entre FA# y SOL (7ª y 8ª nota de la escala) ahora será de un Semi Tono.
Así encontramos la segunda escala mayor cuyo nombre lo dará la primer nota de la misma (SOL) y esta escala tendrá un sostenido (#) en su 7ª nota.
Cuando una obra utiliza esta escala en su totalidad (o parte de ella), se indica en el comienzo, junto a la clave. A este sector se lo denomina Armadura de Clave y allí encontraremos los datos de la escala en la que está compuesta la obra, y su ritmo. Para esta escala nueva (SOL) la armadura de clave será la siguiente:
Repitiendo el mismo procedimiento, encontraremos las siguientes escalas:
Como habrán notado, comenzamos con una escala sin alteraciones hasta encontrar una escala con sus siete sonidos alterados por un sostenido. Como regla general, las escalas diatónicas (7 notas) no pueden repetir el mismo nombre de una nota para dos sonidos distintos (por ejemplo FA y FA sostenido), por ello, podemos ver en la escala de FA# que tenemos un MI#. Si bien, para aquellos que tocamos guitarra, bajo o piano, ambas notas se ejecutan en el mismo lugar (traste y cuerda o tecla del piano), corresponde llamarla MI # porque la escala ya cuenta con una nota llamada FA. Lo mismo ocurre en la última escala encontrada con la nota SI#. Aquí es donde la enarmonía (sólo existente en instrumentos atemperados) determina el nombre de la nota de una o de otra forma.
Para ir descubriendo las demás escalas, vamos a invertir el proceso realizado, tomando el tetracordio inferior para transformarlo en el tetracordio superior de una nueva escala, completando las notas faltantes hasta la 8va
Comprobamos nuevamente que la distancia entre las notas coincida con la estructura de la escala que ya teníamos, y nos encontramos con un problema: la distancia natural entre LA y SI es de un (1) Tono, pero según la estructura de la escala mayor, entre estas notas (la 3ª y la 4ª de la escala) debe existir un SEMITONO.
Para corregirlo, descendemos un semitono la nota SI utilizando un bemol. De esta forma, la distancia entre LA y SIb ahora será de un SEMITONO (tal como la estructura lo pedía) y a su vez, la distancia entre SIb y DO (4ª y 5ª nota de la escala) ahora será de un Tono. Así encontramos una nueva escala mayor cuyo nombre lo dará la primer nota de la misma (FA) y esta escala tendrá un bemol (b) en su 4ª nota.
Repitamos el mismo procedimiento para encontrar las escalas restantes
Como habrán notado, comenzamos con una escala sin alteraciones hasta encontrar una escala con sus siete sonidos alterados por un bemol. Siguiendo la misma regla general citada anteriormente, podemos ver en la escala de SOLb que tenemos un DO y en la escala de DOb se agrega un FAb.
Si las cuentas no me fallan, partiendo de la escala de DO y siguiendo el círculo de 5tas hallamos siete (7) escalas con sostenidos; y siguiendo el círculo de 4tas hallamos otras siete (7) notas con bemoles.... Algo falla... Si tenemos únicamente doce (12) sonidos en nuestro sistema musical (sólo basta ver el piano y notar la secuencia de siete teclas blancas más cinco teclas negras = 12) ¿Cómo puede ser que hallamos encontrado quince escalas mayores?
La respuesta es muy sencilla. Así como la Enarmonía funciona para las notas, también funciona para las escalas. A través del círculo de 5tas armamos escalas enarmónicas con otras halladas a través del círculo de 4tas.
¿Cuál usar entre dos escalas que cuentan con los mismos sonidos? La verdad es que se pueden utilizar una y otra por igual, sólo que a la hora de simplificar la lectura se tiende a elegir aquella escala que tenga menor cantidad de alteraciones. Por ejemplo, una obra en DO bemol (7 bemoles) contará con un grado de dificultad mayor que si la misma obra la escribimos en SI (5 sostenidos). Lo mismo ocurrirá con una obra escrita en DO sostenido (7 sostenidos) en relación a su escala enarmónica RE bemol (5 bemoles). Las escalas de FA sostenido y SOL bemol, ambas con la misma cantidad de alteraciones, se utilizará indistintamente ya que su dificultad es la misma. Para el contexto y los fines de este curso, elegiremos más a menudo la escala de SOL bemol.
Suficiente por hoy. Ya encontramos como armar cada una de las escalas mayores posibles. Recomiendo memorizar el orden en que aparecen los sostenidos (fa do sol re la mi si) y el orden en que aparecen los bemoles (si mi la re sol do fa). Por si no lo han notado, es el mismo orden invertido.
Hoy vamos a comenzar a interiorizarnos con uno de los elementos de la Música que considero fascinante: La Armonía.
Como pudimos apreciar en la clase 2, la Tónica (o centro tonal) cumple una función específica ya que sobre ella descansa o reposa la melodía. Experimentamos con algunas melodías populares para identificarla, incluso mencionamos el famoso "Chin-Pum" para ayudar a hacerlo. En contraposición a esta sensación de calma melódica, encontramos que la Dominante (la 5ta nota de la escala) genera lo opuesto, precisamente, la necesidad de relajar o resolver hacia la tónica. La Dominante crea tensión (chin) y la Tónica resuelve esa tensión (Pum) proporcionando sensación de reposo.
A lo largo de cualquier melodía existen momentos de Tensión y momentos de Reposo que resultará muy útil aprender a encontrar. Siguiendo con el fin didáctico del Blog, vamos a recurrir a otra melodía popular.
Siempre conviene revisar el final de la melodía para comprobar si allí se produce la resolución a la tónica, el "chin pum". Escúchelo nuevamente hasta encontrar esta caída hacia la Tónica
Una vez identificada esta caída hacia la tónica, podemos visualizar con colores el gráfico de la melodía. Tal como lo hicimos en clases anteriores: azul para la Tónica y rojo para la Dominante
Mientras suena, trate de oír dónde la melodía produce esta sensación de dominante (cante la nota dominante como apoyo de la melodía). Ahora trate de oír si en el comienzo, la canción se apoya en la tónica o en la dominante. Seguramente el resultado ha sido así:
Escuchemos ahora como queda cada parte señalada agregándole la nota Tónica y la Dominante (en los graves) donde corresponde según este esquema.
Al brindarle apoyo a la melodía con las notas graves que hemos agregado, incorporamos la “dimensión vertical”, en contraposición con la “horizontalidad” de la melodía pura, iniciando el estudio de la Armonía, es decir: la simultaneidad de sonidos.
La distribución de los apoyos armónicos que realizamos sobre la letra señalando el sector de Tónica y el de Dominante (en este caso) en relación con el ritmo, se la llama “esquema armónico”. Anotemos ahora, debajo de la melodía, las notas del acompañamiento (grave) y observemos la relación entre las notas de la canción y estas últimas:
En la primera parte de la melodía parecería tener lógica que al cantar la Tónica la melodía utilice casi exclusivamente la misma nota, pero...
¿Qué relación tiene la nota RE de la melodía con la nota SOL (dominante) del acompañamiento?
La respuesta a esta pregunta comienza con este video...
Habiendo visto el video se comprende que un sonido producido por una cuerda no es un solo sonido, sino un conjunto de sonidos producidos por la mitad, la 3ra parte, etc. de la cuerda. Estos sonidos se llaman SONIDOS ARMÓNICOS del sonido fundamental, y se oyen (con menor intensidad a medida que crece su frecuencia) al hacer vibrar la cuerda. Claro que lo descrito para una cuerda se produce en forma similar para casi cualquier fuente de sonido. En la voz humana, cuya sonoridad depende exclusivamente de la composición física de las partes de nuestro cuerpo que están involucradas, es la columna de aire lo que vibra generando sonido, como en los demás instrumentos de viento. Se deben excluir el Diapasón de horquilla o los generadores electro acústicos, ya que fueron construidos para generar sonidos “puros”, es decir, sin armónicos.
Según el tipo y la calidad del instrumento, se pueden oír más o menos armónicos, hasta algunos muy agudos provocados por la división de la cuerda (o su equivalente para otras fuentes sonoras) en 20 o más partes. Esto armónicos son los que determinan el “timbre” del instrumento, o sea los que nos permiten diferenciar auditivamente un instrumento (o voz) de otro.
Lo que podemos ver en la imagen, es la representación gráfica de la onda sonora de un sonido fundamental (nota pura) afectada por la presencia de sus primeros armónicos. Como resultado, la onda de sonido pierde su simpleza y se enriquece con variables de frecuencia simultáneas. Esto es lo que le da su propio color a cada fuente de sonido. Hace algunos años, un profesor invitó a sus alumnos a dejar nuestras llaves en una canasta. Se llevó el montón de llaves hacia el fondo del aula y nos pidió que escuchemos atentamente: limpiando nuestros oídos (lectura imperdible sobre el tema). Los ojos tienen párpado, los oídos no. No hay pausa en el sonido, es constante. Nos pidió entonces cerrar los ojos y concentrarse en lo que él iba a hacer sonar. Supongo que la mayoría cerró los ojos. No lo sé. Lo que sé es que entre diez llaves, diez dueños la identificamos solo escuchando su propio tintineo. En mi caso el sonido me llevó a la imagen del pasillo de mi casa, caminando hacia la escalera con la llave en mano. Una acción que repetía día a día, hasta incluso más de una vez. Las dimensiones de cada llave, la cantidad, el llavero plástico junto a ellas; todo esto generó un "color" particular que se grabó y pudo recurrir cuando lo necesité. Así pasó con todos. Cada uno a su tiempo la identificó, excepto el último claro está. Gracias a esta identificación sonora reconocemos voces, bocinas, sonidos mecánicos de algún aparato que ya no funciona correctamente (mi hermano me dijo una vez: "Shh, es apenas una picada en el caño de escape" mientras escuchaba el motor en marcha. A los dos días me lo confirmó el mecánico). Más allá de casos particulares, esto nos pasa a todos. El sonido es parte imprescindible de nuestro entorno y, como puede entrenarse la observación visual, también lo podemos hacer con nuestro oído. A continuación una breve muestra de la diferencia gráfica en la onda sonora según el instrumento que emite el sonido.
Muy bien, volviendo al tema central ¿Descubrimos porqué la nota RE está relacionada con la nota Dominante de "Juguemos en el bosque"?
Acorde
Los primeros armónicos, los más graves según lo visto en el video, son los que por lo general suenan más fuerte. Por lo tanto, junto con el sonido fundamental, se oyen la 8ª, la 5ª y la 3ª de cada nota. A esta combinación simultánea de sonidos se lo llama Acorde. Por ello, partiendo de la nota DO (Tónica de la melodía)...
Y partiendo de la nota SOL (Dominante de la melodía)...
Al ejecutar simultáneamente con un sonido, otros sonidos iguales a sus primeros armónicos (o diferenciados de ellos por octavas), se refuerza el sonido básico que los contiene, formando un acorde que el oído "acepta". El acorde formado por un sonido fundamental y sus primeros armónicos (Fund, 3ª y 5ª) o sus octavas correspondientes, se lo llama acorde perfecto. Volviendo ahora a nuestra melodía "en el bosque". De acuerdo con todo lo visto y escrito, se puede acompañar la nota RE de esta melodía con la nota SOL (Dominante) porque, precisamente, junto con la nota SOL suenan todos sus armónicos y, sobre todo los que forman el acorde perfecto. Por lo tanto, la nota RE pertenece al acorde de SOL.
"Si bien existen sólidas explicaciones dadas por la física a las cuestiones armónicas, la principal razón por la cual el oído acepta determinadas combinaciones de sonidos, es la costumbre. Durante toda nuestra vida hemos oído ciertos acordes, y los aceptamos porque forman nuestro "ámbito musical". Es posible que rechacemos los "acordes disonantes" al oírlos por primera vez, pero basta con oírlos muchas veces, para que entren a formar parte de nuestro ámbito musical y los aceptemos. La noción de "disonancia" ha variado mucho a lo largo de la historia de la música, y cada vez menos acordes son considerados inaceptables. Además hay culturas que no han desarrollado la Armonía o sea que su música es puramente melódica: no se ejecutan sonidos simultáneos o no se estudian las reglas de combinación simultánea de sonidos, permitiéndose la ejecución de líneas melódicas superpuestas e independientes"
María del Carmen Aguilar, (Método para leer y escribir música desde la percepción, 1994)
La ejercitación, en este punto, comienza a ser mucho más productiva si se realiza en grupo. Tal como sucede con el sonido, al agregarle otros sonidos simultáneos, necesitamos otras voces que nos obliguen a encontrar las notas y afinarlas correctamente mientras suenan las demás. Por ello les propongo: 1 - Cante los sonidos de los acordes de DO y SOL vistos (ayúdese con un instrumento hasta dejar de depender del mismo para afinar cada nota):
2 - Reparta las notas del acorde entre sus compañeros (tanto el acorde de DO como el de SOL)
3 - Cantando siempre en compañía, pasen del acorde DO al de SOL y vuelvan luego al de DO, buscando que las notas de ambos acordes formen una melodía simple y agradable. Cada uno elige una nota de cada acorde y canta la melodía formada por esas dos notas. Note que la nota SOL está en ambos acordes y que hay varias melodías posibles para pasar de un acorde a otro. Pruebe de cantar con sus compañeros el siguiente enlace de acordes:
De esta forma se lleva a cabo el Canto Coral y la ejecución orquestal: cada voz o instrumento ejecuta su parte, que está pensada para que el conjunto "vertical" o acorde, suene correctamente. Creo que por hoy avanzamos bastante. Los dejo con la práctica y nos vemos la próxima.
A veces para avanzar, hay que dar uno o dos pasos hacia atrás. Es por esto que antes de comenzar a hablar llanamente de la década del 60, considero pertinente recorrer lo andado hasta aquí con algunos aditivos que fuimos dejando de lado. Insisto en recordar que, si bien intento incluir información recopilada de distintas fuentes en cada publicación al respecto, es imposible dejar de lado mi propia subjetividad. Es posible que a gusto de otros no incluya algunos artistas o parezca que olvido eventos importantes, como también pueda resultar algo "pesado" que le dedique tantas palabras a un tema en particular. Creo que la belleza de este formato multimedial radica en ello, precisamente; en plasmar nuestro punto de vista y nuestro gusto personal. En lo particular, abro la puerta al diálogo y al debate sobre cualquiera de los hechos que se describen en estas publicaciones. Recorrimos los inicios del Blues acompañando a la raza de color que bajaba de los barcos para hacerse esclavos en plantaciones de acaudaladas familias aristocráticas (y por supuesto blancas) de Norteamérica. Pudimos apreciar como el avance tecnológico produjo los primeros registros de estos músicos que, ya para ese entonces, comenzaban a adaptar su música a los requerimientos de una industria naciente. También nos enteramos como esta industria intentó (con éxito) amalgamar las dos culturas que se iban definiendo y separando a través de leyes de segregación racial, soñando encontrar "un blanco que cante como negro" para hacerse millonarios con este talento, y así apareció Elvis, el Rey.
Pero muy de la mano de estas cosas, la tecnología seguía avanzando. Una segunda guerra mundial terminada en 1945 repartía finalmente porciones del globo entre dos jugadores centrales: EEUU y U.R.S.S, dividendo el mundo en capitalistas o comunistas. Y, como jugador que ha apostado mucho y su experiencia trampera lo hace dudar, "antes que el otro lo haga, lo hago yo", dijeron, y se dió comienzo a una guerra aún peor, la guerra fría. Una guerra de ideologías políticas descarnada, que además de poner a su servicio la tecnología marcó los años por venir.
Entre 1945 (final de la segunda guerra mundial) y 1965, nacieron SETENTA Y SEIS MILLONES de niñ@s norteamerican@s. Tal como lo muestra el gráfico superior, el crecimiento de la tasa de natalidad (llamado luego "Baby boom") fue sorprendente. El "baby boom" puede ser el resultado de una serie de cosas. En primer lugar, las parejas jóvenes estaban en busca de una vida "normal", luego de las devastadoras guerras mundiales. Las parejas mayores que habían decidido no tener hijos por obvias razones, cambiaron de opinión y empezaron a tenerlos. Además, debemos tener en cuenta que la era de la posguerra aumentó los sentimientos de prosperidad, lo que hizo que la gente volviera a sentir que podían darle a sus hijos todo lo que la guerra había quitado. Pero me pregunto...
Toda una generación nueva ¿Tenía espacio en el mundo que habían construído para ellos?
La vida familiar de aquellos años era algo diferente. No existía el Divorcio, las personas se casaban para toda la vida por mas mal que la estén pasando todos. Era un estigma separarse, sobre todo para las mujeres porque otra cosa que no existía era la igualdad de géneros. Podríamos encontrar innumerable cantidad de publicidades que describen esta realidad (como muestra, basta una imagen). La gente gastaba más en su vida matrimonial que hoy en día, debido a la menor (o inexistente) tasa de divorcios y las edades más tempranas del matrimonio. Las perspectivas de las mujeres como personas individuales eran bastante sombrías. Hoy una mujer puede conseguir un trabajo decente, pero en los años cincuenta la mejor oportunidad de una mujer en el empleo era en los tradicionalmente aceptados "trabajos de mujeres", como secretaria, maestra, enfermera o bibliotecaria. El hombre padecía el peso de su imagen. Un varón acaudalado debía casarse joven, tener a su mujer (cocinando, lavando, ordenando la casa) esperándolo en la casa porque "ese era su trabajo". Si esto no ocurría, la presión interna también le afectaba. Todo debía verse reluciente e impoluto a la vista de los demás.
¡Y cuántos grandes personajes de la música nacieron en este contexto! Los iremos viendo mientras recorremos la década, aunque hoy, para comenzar, quisiera subrayar a uno de ellos.
Bajo el nombre de Robert Allen Zimmerman, nacía en Duluth (Minnesota) uno de los cantautores más influyentes y comprometidos de la época. Su producción musical lo erigió en un referente y, según algunas fuentes, su admiración por el poeta Dylan Thomas le llevó a adoptar el apellido artístico por el que se hizo popular.
Desde la infancia mostró un gran interés por la música y la poesía. Vivía en un entorno rural y conoció de primera mano la música tradicional americana de origen europeo. En 1959 empezó a estudiar en la Universidad de Minnesota, donde entró en contacto con la llamada música folk y con la canción de protesta. Uno de sus autores de cabecera era Woody Guthrie (su "último héroe"), quien aún en ese entonces sabía retratar como nadie la realidad social del territorio. Dylan frecuentaba los locales nocturnos en los que se interpretaba música y pronto empezó a actuar en ellos. Además, pasaba más tiempo cantando y tocando la guitarra y la armónica que estudiando. Como era de esperarse, abandonó sus estudios y decidió dedicarse exclusivamente a la música. Ya con veinte años se muda a Nueva York y comienza a tocar en los cafés de Greenwich Village, donde se reunían los aficionados al folk. El joven cantante llamó la atención de las más importantes figuras del género, a las que admiraba y que pronto lo consideraron uno de los suyos.
Una elogiosa crítica aparecida en "The New York Times" le abrió las puertas del mercado discográfico: la discográfica Columbia Records, ya corriendo el año 1962, le ofreció grabar su primer disco, titulado "Bob Dylan" cuyo enlace al album completo lo he copiado arriba. En este primer vinilo alternó canciones del repertorio folk y blues e incluyó dos temas propios. Fue bien recibido por la crítica y el público y ya mostraba las características esenciales de su estilo: mezcla de las distintas tradiciones musicales populares americanas (especialmente el folk de origen europeo y el blues afroamericano) y gran importancia de las letras de las canciones.
Digno de una disertación psicoterapéutica, EEUU, habiendo terminado la segunda guerra parece que se quedó con ganas y comenzó (desde 1955) a incursionar como "asesor" en guerras distantes y que nada tenían que ver con la realidad de su soberanía. El caso principal es Vietnam, donde comienzan primero alistando tropas del Sur de este país para combatir contra el norte. Al menos eso es la "historia oficial" porque no se puede asegurar demasiado que no haya habido incursiones previas en lo que puede tranquilamente calificarse como una de las guerras más crueles de su historia. Las acciones de los Estados Unidos para evitar la reunificación de ambas facetas (norte y sur.. ¡Caramba, te manda saludos la guerra civil!), unidas a una sucesión de dictaduras violentas, corruptas e ineficientes impuestas por Estados Unidos, provocaron el levantamiento en armas de varios grupos unidos bajo el autodenominado Frente de Liberación Nacional, Viet Cong, rápidamente apoyado por la entonces Unión Soviética y la China de Mao.
Y la reacción de esta generación se hacia con guitarras, banjos, tambores y armónicas. Estos cantantes folk iban de la mano con la expansión de los movimientos por los derechos civiles y contra la guerra de Vietnam. Músicos como Pete Seeger, Peter, Paul and Mary o Joan Baez, en general jóvenes comprometidos blancos de clase media y urbanos, estaban convencidos de que con canciones podían combatir el consumismo, la hipocresía, la injusticia, la desigualdad y la guerra. También Bob Dylan transmitía con sus letras de alto contenido poético mensajes que daban un nuevo sentido a la música popular. Sus canciones de protesta no sólo reflejaban los sentimientos de la gente hacia los temas contemporáneos, sino que los creaban, ganándose el título de la voz de su generación.
Lista de reproducción con el album completo
En 1963 se publicó el segundo disco de Bob Dylan: "The Freewheelin’ Bob Dylan", que fue un gran éxito. De entre las canciones que contenía este álbum destaca "Blowin’ In The Wind", convertida muy pronto en un auténtico himno generacional. Esta canción se cantaba en las manifestaciones pacifistas y a favor de los derechos civiles de la población afroamericana y fue rápidamente traducida a diversos idiomas. Dylan se había convertido en una figura de proyección internacional. Su tercer disco llegó en 1964 y el título, que lo es también de una de las canciones que contiene, expresa el sentir de una época: "The Times They Are A-Changin"; es decir: Los tiempos están cambiando.
¿Cuánto tiempo deben las bolas de cañón volar, antes de estar prohibidas para siempre? ¿Cuántos años pueden algunas personas existir, antes de que sean libres? ¿Cuántas veces puede un hombre girar su cabeza, y fingir que no te ha visto? ¿Cuántas veces debe un hombre mejorar, antes de que pueda ver el cielo? ¿Cuántos años debe un hombre tener, antes de que pueda escuchar a la gente llorar? ¿Cuántas muertes cometerá hasta que sepa que mucha gente ha muerto?
Esto se preguntaba en aquellos días, y sobre su canción también expresaba:"Creo que entre el gran número de criminales que existe, se pueden contar los que vuelven la cara cuando ven el mal y saben que es el mal. Yo no tengo más que veintiún años y sé que se han hecho ya demasiadas guerras; ustedes, los que tienen más, lo deberíais saber mejor aún. Ahora la mejor forma de responder a las preguntas de la canción, es exponerlas".
Special TV, 1963
En "A hard rain´s a-gonna fall" decía:
"Vi lobos salvajes alrededor de un recién nacido, vi una autopista de diamantes que nadie usaba,
vi una rama negra goteando sangre todavía fresca,
vi una habitación llena de hombres cuyos martillos sangraban,
vi una blanca escalera cubierta de agua,
vi diez mil oradores de lenguas estaban rotas,
vi pistolas y espadas en manos de niños,
y es dura, es dura, es dura, y es muy dura,
es muy dura la lluvia que va a caer"
TV Movie, Directed by: Daryl Duke
Con el album de 1965 "Highway 61 revisited", se marca un inicio más "rockero" en su carrera. No dejaba de primar la letra sobre la música respetando su estilo, pero la inclusión de guitarra eléctrica y banda fue algo controversial. En el festival de Newport provocó mucha sorpresa y más que un disgusto, al punto que ya no volverían a invitarlo. Lo que estaba haciendo era llevar el Folk a ampliar sus posibilidades, una revolución sonora. Poco tiempo después, en 1966, sufre un accidente en moto y se aleja de la vida pública por dos años.
Dylan regresó a Nashville en octubre de 1967 tras diecinueve meses sin entrar en un estudio de grabación. Grabó "John Wesley Harding", un álbum de canciones breves, tranquilas y contemplativas basadas en paisajes que evocaban el oeste estadounidense y la Biblia. La estructura y la escasa instrumentación, junto con letras que tomaban en serio la tradición judeocristiana, marcaron un nuevo punto no solo en la obra de Dylan, sino en el creciente fervor psicodélico en la cultura musical de mediados de la década de 1960. "John Wesley Harding" incluyó All Along the Watchtower, con letras derivadas del Libro de Isaías y popularizada por Jimi Hendrix en una versión que el propio Dylan reconoció como "definitiva".
A partir de 1970 participa en cine componiendo bandas sonoras para Sidney J y Furie, Sam Peckinpah. Dirige su propio film "Renaldo y Clara" y aparece en un documental de Martin Scorsese titulado "El último vals" basado en el último concierto de "The band", banda que entre mediados de los sesenta y setenta acompañaba a Dylan en sus conciertos.
Durante años Dylan fue un referente generacional, y llegó un momento en que los textos de sus canciones empezaron a interesar seriamente a la intelectualidad de la época. El poeta del movimiento beat Allen Ginsberg no dudó en mostrar su admiración por Dylan refiriéndose a él como “un importante bardo americano del siglo XX cuyos textos han influido a generaciones en todo el mundo, lo cual le hace acreedor del premio Nobel”. De hecho, desde 1996 y año tras año, el escritor y profesor de literatura Gordon Ball postularía a Dylan para la concesión de este importante premio.
Claro que si hablamos de premios, a lo largo de su carrera ha recibido muchos, como el Doctor honoris causa por la Universidad de Princeton, diversos Grammy y el Lifetime Achievement Award como reconocimiento a su trayectoria artística. Comendador de la Orden de las Artes y las Letras francesas, en 2001 recibió un Óscar a la mejor canción original y un Globo de Oro por Things Have Changed, tema incluido en la banda sonora de la película The Wonder Boys. En 2006 recibió dos nuevos premios Grammy por Modern Times, disco editado ese mismo año y galardonado como mejor álbum de folk contemporáneo. Además recibió por una de las canciones de este trabajo, Someday Baby, el reconocimiento como mejor solista de rock.
En los últimos años Dylan ha participado en la banda sonora de nuevas películas como Miedo y asco en Las Vegas (1998), y Anónimos (2003), en la que también intervenía como actor encarnando a una vieja gloria de la música encerrado en prisión. Su vida y su obra interesó a Martin Scorsese al punto que en 2005 realizó un documental titulado No Direction Home. Dos años después llegaba a la gran pantalla un filme en el que Dylan no intervenía directamente pero que estaba basado en su vida, I’m Not There.
Trailer de la película
Su autobiografía: Chronicles Volume One vio la luz en 2004 y supuso todo un acontecimiento literario internacional. En junio de 2007 se hizo pública la concesión del premio Príncipe de Asturias de las artes al cantante. El jurado se decidió por Dylan por su condición de “mito viviente” y por haber sido “el faro de una generación que tuvo el sueño de cambiar el mundo”. Se subrayó “la austeridad en las formas y la profundidad en los mensajes” en las canciones del músico estadounidense.
La poesía de Dylan incorpora una variedad de temas sociales, políticos, filosóficos y literarios que desafiaron la música pop convencional existente y apelaron generalmente a la contracultura emergente en la época. Influido por Woody Guthrie, Robert Johnson y Hank Williams; Dylan amplió y personalizó géneros musicales a lo largo de cinco décadas de carrera musical, en las que exploró la tradición musical estadounidense con el folk, el blues, el country, el gospel, el rock and roll y el rockabilly, así como la música folk inglesa, escocesa e irlandesa, pasando por el jazz y el swing. Dylan toca la guitarra, la armónica y los teclados, y respaldado por una alineación de músicos cambiante, ha salido de gira anualmente desde finales de la década de 1980, en lo que se conoce como Never Ending Tour (La gira interminable).
"Por lo que yo sé, no pertenecía a nadie entonces ni pertenezco a nadie ahora. Tenía una esposa e hijos a los que quería más que a nada en el mundo. Intentaba mantenerlos y ahorrarles problemas, pero los moscones de la prensa seguían proclamándome el portavoz, el defensor y la conciencia de una generación. (...) En realidad nunca fui más que un músico folk".
Así como pudimos armar un acorde partiendo desde cada nota de la escala de DO mayor, lo mismo sucederá repitiendo este procedimiento con las notas de cualquier escala. Si bien, el entorno teórico que sustenta estas cosas será visto en el bloque de Lenguaje Musical próximamente, insisto en lo importante de ir enseñándole a nuestras manos a armarlos y comenzar a usarlos.
En esta oportunidad y, siguiendo con el agregado paulatino de dificultades técnicas, comparto los acordes de la escala mayor de SOL (que posee una sola nota alterada / tecla negra) en sus tres inversiones ya con la 8va superior agregada, es decir, utilizando cuatro dedos
Como siempre, pueden acceder al material completo de acordes para piano en la Página del Blog.
Otro recurso muy utilizado en guitarra, es el armado de acordes combinando exclusivamente las tres notas que lo componen. A este grupo de tres notas se lo llama tríada. En esta oportunidad vamos a desarrollar la Tríada de DO (mayor y menor) en todo el mástil utilizando grupos de tres cuerdas únicamente.
Habiendo ubicado la forma Mayor y menor desde una única nota, paso a compartir el armado de cada acorde mayor o menor que nace de la escala de DO mayor. Para ello, vamos a combinar las formas vistas en una misma posición.
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Espero lo aprovechen y disfruten, y no dejen de consultar si surge alguna duda.
Ya se encuentra disponible una nueva escala mayor para piano. En el video podrán encontrar la partitura de referencia. No duden en consultar cualquier duda
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